автор: Гераськина Алла Александровна
преподаватель
МАОУК ДО г. Нягани «Детская школа искусств»
Формирование навыков анализа музыкальных произведений на уроках специальности в ДМШ и ДШИ
Муниципальное образовательное учреждение культуры дополнительного образования города Нягани «Детская школа искусств»
Методическая разработка
Формирование навыков анализа музыкальных произведений на уроках специальности в ДМШ и ДШИ
Автор: преподаватель
по классу специального фортепиано
Гераськина А.А.
г. Нягань 2024г.
Введение
В требованиях к обязательному минимуму содержания образовательной программы подготовки учащихся отмечено, что в классе специального фортепиано развивается и совершенствуется весь комплекс профессиональных навыков юного музыканта, происходит формирование его творческой личности, художественных, исполнительских навыков. Безусловно, все эти навыки очень важны, но не менее важно и развитие музыкального мышления ученика, его умение разбираться в музыкальном произведении, поскольку, содержание, эмоциональное переживание музыки, должно быть подкреплено пониманием того, что исполняется. Именно развитое музыкальное мышление исполнителя и открывает ему в конечном итоге путь к настоящему, самостоятельному творчеству. Генрих Нейгауз писал: «…учитель должен довести до ученика не только так называемое «содержание» произведения, не только заразить его поэтическим образом, но и дать ему подробнейший анализ формы, структуры в целом и в деталях, гармонии, мелодии, полифонии, фортепианной фактуры – он должен быть одновременно и историком музыки и теоретиком, учителем сольфеджио, гармонии, контрапункта, и игры на фортепиано…». В этой связи, для педагога по специальности, очень важным является не только умение дать ученику понимание каждой встречающейся формы музыкального произведения, но и систематически приучать учащегося к анализу музыкальных произведений. Важно суметь внутри целого увидеть логику взаимодействия частей или элементов выразительности, зависимость исполнительского замысла от смысла и строения пьесы.
Цель: всестороннее воспитание гармоничной творческой личности учащегося.
Задачи:
— стимулировать аналитическое мышление учащихся;
— формировать представление об основных закономерностях музыкального искусства, о содержании, форме, выразительных средствах;
— способствовать интеграции и систематизации всех музыкальных знаний;
— формировать практические навыки элементарного анализа в работе над музыкальным произведением.
В процессе работы применялись следующие методы:
— теоретические — изучение и анализ методической литературы по заявленной проблеме;
— эмпирические: наблюдение, беседа, оценивание результатов деятельности обучающихся;
— активные (творческие, практические) – привлечение учащихся к аналитической деятельности.
1.Методологические основы анализа.
Музыка – это система человеческой деятельности, ее ключевые фигуры: композитор, исполнитель, слушатель. Центральный, системообразующий элемент – музыкальное произведение.
Сущность анализа музыкальных произведений – выявление внутреннего единства содержания и выразительных средств.
Объект анализа – музыкальное произведение.
Изучение музыкального произведения является главным инструментом преподавателя на уроках по специальности. Выявление, осознание содержания музыкального произведения происходит в результате анализа конкретного произведения.
Современный курс анализа музыкальных произведений раскрывает содержание произведения в единстве с формой. При этом имеется в виду форма уже не только в тесном смысле слова — как композиционный план произведения, — но и в широком — как организация всех музыкальных средств, примененных для воплощения содержания произведения.
Само понятие «анализ» трактуется в первоначальном и специальном смысле, в котором оно означает разделение, расчленение, разложение на составные элементы (от греческого analysis — разделение). Это понятие применено в том более общем значении, в котором оно близко соприкасается с представлением об углубленном изучении, тщательном логическом рассмотрении, исследовании какого-либо явления. Для успешного анализа музыкального произведения нужно не обособлять различные предметы друг от друга, а, наоборот, установить между ними тесную связь. Иначе говоря, теоретические знания следует изучать не как абстрактные понятия, а как «содержательную информацию», в связи с требованиями и задачами музыкального произведения. Педагогу нужно постараться чаще использовать на уроках специальности термины из теории музыки, чтобы такие слова как „тоника“, „доминанта“, „ступень“, „лад“, „интервалы“, „мажор“, „минор“, „тональность“, „динамика“ и др. были учащимся близкими понятными и знакомыми. В конечном итоге, навыки самостоятельного мышления в процессе элементарного анализа исполняемых произведений, в значительной мере оптимизируют весь образовательный процесс.
Формирование навыков элементарного анализа учащихся.
Даже элементарный анализ музыкального произведения, как и произведения другого искусства, представляет исследовательскую, критическую работу того или иного масштаба и всякий раз ставит перед собой какие-либо определенные задачи. Анализ произведения предполагает применение знаний, получаемых на уроках сольфеджио и музыкальной литературы и, предполагает привлечение для сравнения других музыкальных произведений, иногда даже произведений других искусств, художественной литературы. Научиться (и научить) подобного рода мобилизации разнообразных знаний, могущих способствовать более глубокому пониманию произведения, задача очень трудная и требует от педагога и учащегося большого напряжения. Элементарный анализ произведения дает учащимся знания о строении музыкальных произведений и о связях строения с содержанием и о важнейшими элементами музыки (мелодия, ритм и др.), об их выразительных возможностях и об исторически сложившихся типах строения музыкальных произведений, то есть о музыкальных формах, об их происхождении и развитии, об их трактовке в различных музыкальных стилях и жанрах, об их связях с тем или иным характером музыки, с теми или иными соотношениями образов в музыкальных произведениях. В процессе анализа музыкального произведения, учащиеся на практике знакомятся с понятиями:
- Музыкальные стили, жанры;
- Формы, построение музыкальных произведений;
- Фактура, склад музыкальных произведений;
- Музыкальный синтаксис (музыкальная речь);
- Средства музыкальной выразительности;
При формировании навыков элементарного анализа музыкальных произведений, преподавателю необходимо точно видеть цели и задачи стоящие перед ребенком при изучении данной пьесы. Вид и степень сложности анализа зависят от возраста, данных учащегося и самого изучаемого произведения.
Процесс анализа следует вести от общего охвата музыки к частному:
В первую очередь мы должны в общем плане познакомиться с сочинением, которые нам предстоит играть:
1) прочесть название пьесы, т.к. часто оно может подсказать, что за музыка скрывается за нотным текстом. По названию мы можем определить основное настроение, его тему и образно-художественное содержание;
2) получить общие сведения о произведении и его авторе (годы жизни, общую характеристику музыкального творчества);
3) внимательно прослушать произведение с нотами. (Слушаем запись или в исполнении преподавателя);
4) посмотреть ключи; определить тональность по ключевым знакам, обратит внимание на указания темпа и размера;
5) постараться охватить общую структуру, понять и определить характер.
Далее, в процессе изучения пьесы начинается более детальный анализ.
1.Музыкальные стили, жанры.
Все произведения относятся к определённому жанру и характеризуют определённый стиль. Жанр – это определенный тип музыкального произведения, в рамках которого может быть написано неограниченное число сочинений. Жанры отличаются друг от друга особенностями содержания и формы, а вызваны эти отличия жизненными и культурными целями, своеобразными у каждого из них. Возьмем, например, марш. Вся его ритмика, фактура, мелодика и другие выразительные средства идеально приспособлены к шагу. Совсем другой пример — колыбельная. Здесь все иное: иная цель музыки, иное содержание и форма. Музыка колыбельной песни должна успокаивать, окутывать теплой лаской, погружать в размеренный ритм укачивающих движений. Историческая песня, ария, романс, кантата, опера, марш, вальс, прелюдия, соната – всё это примеры различных музыкальных жанров. Поэтому начинать работу над новым произведением нужно с определения жанра произведения, программное оно или нет, из этого появляется и осознание характера произведения и задачи его исполнения.
Музыкальный стиль – это система музыкального мышления, совокупность всех свойств музыки, определенная комплексом выразительных средств (авторский стиль, стиль эпохи, стиль отдельного произведения). Стиль определяет художественное единство произведения. Элементы того или иного стиля могут присутствовать в одном произведении.
2.Формы, построение музыкальных произведений.
Определяем форму: одночастная (период), двухчастная, трехчастная (простая и сложная), вариационная и др. Пьесы, входящие в репертуар учеников начальных классов ДМШ – это музыкальные произведения в простых формах: период, простая трехчастная форма, реже – простая двухчастная форма. Преобладание формы нормативного периода в сборниках пьес для начинающих вполне объяснимо – они лаконичны, легко запоминаются благодаря практически точному повтору первого предложения периода во втором. Точный повтор в исполняемой музыке ученик услышит без особого труда. Во-вторых, особое и основное внимание надо уделить отличиям, которые ученик должен услышать в повторяющихся предложениях периода. И здесь обязательно надо ввести понятие каданс, поскольку различия двух практически одинаковых предложений как раз и сосредоточены в кадансе. Каданс (от латинского cado – оканчиваться) – заключительный гармонический или мелодический оборот, придающий законченность музыкальному произведению. К этому термину ученики привыкают довольно быстро, так же, как и к другим итальянским терминам (например, легато, форте, крещендо и т.д. Квадратная структура периода (4+4, 8+8, 16+16)хорошо усваивается учеником и на слух и визуально, тем более, что это одна из самых распространенных структур в классической музыке. На уроках сольфеджио дается представление о тональности, ладе, главных ступенях лада – I, IV, V – с их названиями: тоника (Т), субдоминанта (S), доминанта (D). Полезно раскрыть и происхождение названий: доминанта – от латинского dominans («главенствующий»), субдоминанта – «под доминантой». Важно подчеркнуть, что доминанта звучит неустойчиво в половинном (серединном) кадансе, и музыка нуждается в продолжении.
Благодаря своей универсальности, простая трехчастная форма, пожалуй, одна из самых популярных музыкальных форм. В ней органично сочетаются два основных принципа музыкального развития – контраст и повторность. Это придает простой трехчастной форме равновесие. Поэтому трехчастная форма имеет очень большое распространение в музыке. Прослеживается преобладание именно этой простой формы над другими музыкальными структурами в репертуарных сборниках фортепианных пьес для ДМШ. Простая трехчастная форма, являясь пропорциональной и логичной, доступна детскому восприятию и узнаваема учениками уже на самом раннем этапе обучения. Основная разновидность простой трехчастной формы – репризная трехчастная форма.
Необходимо объяснить ученику значение самого слова «реприза». Реприза (от французского reprise, reprendre – возобновление) – слово, обозначающее повтор, восстановление, возобновление. Так в музыкальных формах называется часть (раздел), где содержится повторение музыкального материала после его развития или изложение нового материала. Реприза способствует цельности и уравновешенности музыкальной формы, поскольку возвращение исходной темы в конце произведения придает пьесе устойчивость и завершенность. Ведь в каждом произведении должно быть начало середина и конец. Именно тогда оно становится стройным и законченным. После объяснения в доступной для ученика форме основных положений, касающихся репризы, необходимо уже на примере конкретной пьесы, исполняемой учеником, попытаться вслушаться и вглядеться в этот раздел. Как правило, повтор, особенно точный, очень нагляден, и ученик слышит и определяет начало репризы без особого труда.
- Фактура, склад музыкальных произведений.
В процессе анализа произведения, невозможно не сказать о, способе изложения музыкального материала. Анализируем Фактуру, склад, иначе, музыкальную ткань произведения.
Основные разновидности фактуры: одноголосие(монодия), полифония, гомофонно гармонический, аккордовый склад.
В полифонии голоса равноправно участвуют в развитии музыкальной мысли, они могут образовывать диалог или дополнять друг друга, то есть как бы говорят об одном и том же, только разными словами (инвенции, прелюдии, фуги). Голоса могут подчиняться интонациям темы, участвуя в ее развитии (противосложения в фугах). Могут играть роль подголоска, помогая показать большую выразительность голоса (сицилианы, сарабанды, арии).
В гомофонно-гармоническом изложении каждая фраза является частицей мелодической линии, образует целый рассказ, создает определенный образ. Мелодия – главный смысловой, тематический и динамический герой. Поэтому играть её нужно так, чтобы её слышали в конце зала. Аккомпанемент же дополняет развитие мелодии, но играть его только тихо все же нельзя, потому что изменение даже отдельных нот в гармонии, ведет порой к интонационному изменению мелодии.
Аккордовый склад, вернее всего отнести к промежуточным. С полифонией его сближает одинаковая природа голосов (гармоническая), а с гомофонным – функция баса, гармонической опоры. Но в аккордовом складе все голоса равноправны. Музыкальные склады весьма часто взаимодействуют друг с другом, так образуются смешанные склады. Формообразующая роль фактуры обладает значительными возможностями создания, как слитности, единства, так и расчлененности.
4.Музыкальный синтаксис (музыкальная речь).
Музыкальная ткань представляет собой нечто целое. В то же время она членораздельна, т.е. состоит из частей, разделов, отграниченных друг от друга, подобно речи. Единицы музыкальной речи: период, предложение, фраза, мотивы.
Музыка состоит из звуков, которые мы слышим. Звуки складываются в мелодию.
Мелодия — это развитая и законченная музыкальная мысль, выраженная одноголосно. Когда мы говорим, мы высказываем свои мысли. Или пересказываем чьи-нибудь. А музыка – ведь это тоже язык. И музыкальным языком тоже высказывают мысли. Но мысли музыкальные. Для того, чтобы нашу мысль поняли другие, её нужно высказать понятно, то есть развить и довести до точки. Только такая, развитая и законченная музыкальная мысль становится мелодией. А из чего же сложены мелодии? Мотив – это самая маленькая выразительная частица мелодии, в которой безударные звуки группируются вокруг акцента, который может быть и в начале, и в середине, и в конце мотива. Мотивы складываются вместе, и получается фраза. Фраза – это группа мотивов, объединённая в одно музыкальное построение. Иногда фраза включает в себя только один мотив и тогда она равна мотиву. Фразы складываются в предложении, а предложения составляют период. Предложение музыкальное – мелодия, законченная тонально и ритмически, т. е. имеющая каденцию в конце (в главной тональности или другой, близко с ней сродной). Мелодия в предложении строится симметрично и имеет чётное число тактов.
5.Средства музыкальной выразительности.
Анализируем музыкально выразительные средства, используемые композитором: музыкальные темы, характер интонации, метроритмические и ладовые особенности, темп (темпы). Изучаем тональный план (отклонения, модуляции.)
Мелодии не бывает без ритма. Ритм — это согласованность звуков по длительности. В мыслях, в том числе и музыкальных, должен быть порядок. Ритм вносит этот порядок в музыку, выстраивает и согласует звуки во времени, то есть по их длительности. В музыкальном языке высота звука подобна гласным, а длительность — согласным. Но в любом языке одинаково нужны как гласные, так и согласные. Поэтому нельзя сказать, что главнее — мелодия или ритм.
Все произведения написаны в определённой тональности. И, как правило, их может быть несколько, то есть музыкальное произведение разнотонально.
Тональный план – порядок смены тональностей произведения. Разбор смены тональностей и колористического плана является одним из важных моментов в работе над выразительным исполнением музыкального произведения.
Фразировка – средство музыкальной выразительности, представляющее собой художественно-смысловое выделение музыкальных фраз в процессе исполнения путем разграничения периодов, предложений, фраз, мотивов с целью выявления содержания, логики музыкальной мысли.
С самого начала необходимо приучать детей играть выразительно, слушать себя. С первых же уроков объяснять самые простые элементы выразительности: Музыкальная фраза может состоять из разного количества нот, но первую и последнюю нотки мы должны играть тихо – это правило.
У фразировки есть ближайшая родственница – динамика.
Динамика – совокупность явлений, связанных с применением различных степеней силы звучания, громкости.
Параллельно с изучением фразировки, речь идет о динамическом развитии в любом музыкальном произведении. Фразировка и динамика — это две сестры, которые не живут друг без друга. Проходим динамические оттенки. В каждой фразе есть начало, главная нота и есть конец фразы. Отсюда вытекает и самое простое динамическое (звуковое) построение: начинаем тихо, делаем crescendo к главной ноте, показываем её и дальше выполняем diminuendo к концу фразы, последнюю ноту играем опять тихо. Это правило построения фразировки. Из нескольких небольших фраз учимся выстраивать длинную линию. Если небрежно сыграть конец одной фразы, то «повиснет» в воздухе другая, играем так, как будто последняя нота фразы – это «затакт» к следующей фразе. Так прорабатывется каждое произведение, и в дальнейшем ученики привыкают к такой работе. Чем старше становятся наши дети, тем им легче справляться с такими заданиями и они начинают играть более грамотно и выразительно, начинают играть уверенно и свободно.
Чтобы литературное произведение прозвучало выразительно, его нужно читать с интонацией. А как же в музыке? Выразительная речь похожа на музыку, а музыкальная интонация стремиться быть похожей на выразительную речь человека, чтобы быть понятной и без слов.
Интонация – (от латинского «интоно» – «громко произношу») – в широком смысле: воплощение художественного образа в музыкальных звуках. Её называют душой музыки, основой музыкального мышления и общения.
Как она устроена? Подобно слову, интонация – единство звука и смысла. Музыкальная интонация опирается на специфические средства гармонии, лада, метра, которые музыкально её организуют. Довольно трудно объяснить ученику, особенно маленькому, что такое интонация. Вне интонации музыка не слышна. Интонационное содержание воспроизводится на уровне подсознания. Одновременно с созданием музыкального образа складывается и интонация, которая и воплощает этот образ в звуке. Нотная запись несовершенна: она лишь дает схему музыкального образа, обозначает его черты. Автор зашифровал образ в нотах, а расшифровать его, то есть понять отношение композитора к этому образу (радость, грусть, гнев, нежность и т.д.) ученик, с помощью педагога. Интонация существует в различных нюансах: гармонических, колористических, динамических, метро — ритмических, темповых и агогических.
Одним из важных средств выразительности музыки является темп.
Темп – скорость движения музыкального произведения. По ходу произведения, в зависимости от темы, темп может изменяться. Всё это придаёт выразительность произведению. Можно играть не просто быстро или медленно, но и ускоряя, запаздывая, замедляя и т.д. Вариантов много. Все темпы разделены на три основные группы: медленные, умеренные и быстрые темпы. У темпов есть оттенки, которые тоже обозначаются терминами. Работая над темпом, важно, чтобы ученик понял, музыкальное произведение развивается во времени и здесь важно не только изложение музыкального материала, но и правильность в выборе скорости его развития, как относительно скорости внутри такта, так и общего темпа. Ровность должна быть не только звуковая, но обязательно и темповая. Общий темп, даже медленный, должен пульсировать! И здесь мы сталкиваемся с тем, что добиваясь создания длинной линии, сквозного развития, единого целого, ученики начинают торопиться, ускорять темп. Только точный пульс поддерживает в произведении ровность и темповую, и ритмическую.
Штрихи и артикуляция
Что делает нашу речь неповторимой, ни на кого не похожей? А как мы различаем, что над нами подшучивают, нам угрожают или разговаривают ласково? При общении мы пользуемся разными оттенками речи, используя разную артикуляцию. Можем говорить плавно, томно, можем колко, язвительно. Так и в музыке. Игра без артикуляции – бездушна, бесхарактерна. Такая игра не зацепит струнки души у слушателя. Это как слушать длинную монотонную речь. Итак, что же такое артикуляция?
Артикуляцией называют разные способы произнесения мелодии с той или иной степенью расчлененности или связанности нот. Этот способ конкретно реализуется в штрихах.
Что делают музыканты, когда играют музыку? Они извлекают звуки из своих музыкальных инструментов. Один и тот же звук можно извлечь по-разному, разными способами. Можно «пропеть» звук, «уколоть», «подчеркнуть». Эти различные способы звукоизвлечения называются штрихами. Штрихи – это способы звукоизвлечения. От способа звукоизвлечения во многом зависит характер музыки, а значит, и те образы, которые она создаёт. Штрихи не только выразительны сами по себе. Часто они служат для усиления других средств выразительности. Штрихи бывают разные. И каждому штриху соответствует определенный знак, который и указывает, как именно надо играть ноту: коротко, длинно, тяжело и т.д. Основные штрихи: 1.legato – связно; 2.non legato – не связно; 3.staccato – отрывисто;4.marcato – подчёркивая.Без этих штрихов не обходится ни одно, даже самое миниатюрное музыкальное произведение.
С более продвинутыми учащимися возможно провести более подробный, профессиональный анализ: постараться выявить некоторых стилевые черты творчества композитора в данном произведении, дать информацию о различных нотных редакциях. Постараться сформировать собственное отношение ученика к изучаемому произведению. Прослушать изучаемое произведение в различных исполнительских интерпретациях.
Таким образом, при изучении любой пьесы, невозможно обойтись без элементарного анализа изучаемых произведений.
Заключение
Процесс анализа играет огромную роль как в интеграции знаний, так и в умении комплексно и выборочно применять их на практике. Педагог должен уметь говорить о музыке увлекательно, образно, поэтично и трудные теоретические правила преподносить в доступной, понятной форме, с учетом уровня знаний, интересов учащихся, их индивидуальных особенностей и характера. Желательно своим объяснением вызвать у учащихся художественную фантазию — это будет способствовать нужной выразительности и точности воплощения композиторского замысла. Наша задача – помочь ребенку разгадать то, что композитор вложил в нотный текст исполняемого произведения. Сложная, но и важная задача педагога – сделать музыкальный анализ необходимой составляющей урока, превратив его в увлекательную игру, в интереснейший процесс узнавания нового. Это оживит урок, заставит ученика самостоятельно мыслить, активизирует его внимание, мобилизует его на решение исполнительских задач. Важно при этом научить ребенка видеть в тексте музыкального произведения не просто скопление множества знакомых нотных знаков, оказавшихся на нотном листе по воле композитора, но и самому постичь законы, «тайны» и «секреты» строения музыкального языка, музыкальной формы, научиться разбираться в закономерностях развития каждого музыкального произведения. На уроках сольфеджио и музыкальной литературы ученики получают необходимые знания по основам истории и теории музыки, гармонии, полифонии, анализа музыкальных произведений. Но без конкретной практики анализа, полученные знания остаются сухой теорией. Аналитическое мышление ученика нуждается в не меньшей тренировке, чем его руки, исполнительский аппарат. Закрепляя полученные теоретические знания, ученик одновременно вносит в исполняемую музыку больше упорядоченности и осмысленности. Безусловно, перегружать урок специальности множеством теоретических сведений по анализу музыкальных форм не стоит. Реальный путь здесь – отталкиваться от возможностей отдельного учащегося и каждого конкретного исполняемого произведения, причем начинать вводить элементы анализа с первого года обучения.
Художественно-педагогический анализ как разновидность анализа, направлен на эффективность обучения и воспитания. Навыки самостоятельного мышления, в процессе элементарного анализа, в значительной мере оптимизируют образовательный процесс.
Практическая значимость данной работы отвечает целям современного образования – воспитания гармоничной личности, повышения качества обучения, реализации творческого потенциала ребенка.
Список используемой литературы:
- Закон РФ «Об образовании»
1.Аннинская В.В. Лекции по курсу «Анализ музыкальных произведений» Учебное пособие. — М.,2005. Музыкальные стили;
2.Алексеев. Д.Методика обучения игре на фортепиано. М.,1978
- Корнюш Л.А. «Методика знаний по элементарной теории музыки» — Новосибирск
- Мазель Л.А. Вопросы анализа музыки. — М., 1991
- Цуккерман В.А. Целостный анализ музыкальных произведений и его методика — М.,1965
