автор: Швыдченко Олеся Сергеевна
преподаватель истории искусств МБУДО ДМШ им. Э.С. Пастернак г. Североморск
Особенности эстетического восприятия и осмысления зарубежной живописи XX века
Тема: Особенности эстетического восприятия и осмысления зарубежной живописи XX века
Цель:
Способствовать восприятию образных языков в изобразительном искусстве; развивать культуру зрительского восприятия; формировать представления о трагических темах в жизни народа середины 20 века, о возрастании личностной позиции художника в искусстве;
Дать представление об особенностях развития зарубежной живописи, познакомить учащихся с такими направлениями в искусстве как фовизм, кубизм, сюрреализм.
Задачи:
Образовательные:
— познакомить с отдельными представителями новых направлений в искусстве на рубеже веков и их произведениями;
Развивающие:
— развитие способностей эстетического восприятия и осмысления работ художников зарубежной живописи;
— развитие образного, ассоциативного мышления на примере произведений живописи зарубежных художников;
— развитие умений анализировать произведение живописи и вырабатывать собственную эстетическую оценку;
— развитие коммуникативных умений на основе развития речевой и мыслительной деятельности;
Воспитательные:
— воспитание художественно-эстетического вкуса и культуры восприятия художественного произведения;
Слайд 2
«Искусство- зеркало, но отражает оно не жизнь, а смотрящего в него.»
Оскар Уайльд
Эти слова выдающегося ирландского писателя Оскара Уайльда великолепно иллюстрируют основной принцип взаимоотношения между произведением искусства и человеком. Учитывая известную относительность человеческого восприятия к действительности, можно говорить о том, что ощущения, вызываемые соприкосновением человека с искусством, у разных людей могут значительно отличаться. Это зависит от множества факторов. К ним относятся: социальный и культурный характер общества, представителем которого является данный человек, его возраст, образование, личный опыт общения с искусством, общая эрудиция, и наконец, желание воспринимать конкретное произведение.
Слайд 3
Восприятие произведений живописи — это прежде всего, способность человека привносить в содержание воспринимаемого произведения свой жизненный опыт, своё видение мира, свои переживания, свою оценку.
Восприятие искусства требует активной мыслительной деятельности, развитого воображения, эмоциональной восприимчивости, способности соотносить художественное произведение с действительностью. Таким образом, специфическая функция эстетического восприятия состоит в том, чтобы в произведении искусства открыть то, что волнует нас, что имеет отношение к нашим личным ценностям.
Основу художественного образования составляют не только знания в области теории и практики изобразительного искусства, но и своеобразный опыт восприятия художественного произведения.
Искусство формирует личность человека, расширяет его представление об окружающем мире. Отношения человека к явлениям искусств и развитие навыков его восприятия становится одной из существенных задач художественного воспитания.
Традиционно, художественная педагогика основное внимание уделяет «объективной» стороне произведений (жизненной реальности). Нетрадиционная художественная педагогика основана на восприятии искусства, т.е. его идейно-эмоциональной стороне.
В восприятии картины учащимися существует две стороны познания: целостный охват произведения и выборочный. Они находятся в постоянном взаимодействии. Каждый элемент картины звучит лишь будучи соотнесенным с целым. Есть картины, которые вообще не сразу открывают свою эстетическую ценность, поэтому важно и необходимо разъяснение сюжета полотна.
Восприятие живописи оценочно по своей сути. Пока не состоялась оценка (верная или неверная), не будет и культуры восприятия произведения. Большое влияние на оценку произведения школьниками оказывает чужое мнение, поверхностно усвоенные стереотипы, мода, престижные соображения. В связи с этим актуальной становится проблема понимания искусства. Психология не отделяет восприятие от мышления: воспринимая, человек одновременно и понимает.
Целью изучения предмета истории искусств является полноценное освоение художественного образа. Формирование эстетического чувства, то есть, способность понимать главное в произведении искусства, различать средства выразительности, использованные художником для характеристики данного образа, а также соотносить содержание произведения с собственным жизненным опытом. При этом, чем глубже будет проникновение учащихся в сущность живописного полотна, в его идеи и образы, тем станут богаче их собственные мысли и чувства.
Психолог и доктор педагогических наук, А. А. Люблинская считает, что восприятию картины ребенка надо учить, постепенно подводя его к пониманию того, что на ней изображено. Таким образом, задача педагога состоят в том, чтобы развить интерес учащихся к истории изобразительного искусства, сформировать навыки работы с произведениями искусства, научить школьников видеть и воспринимать произведение искусства в единстве содержания и формы, а также воздействовать на развитие мышления, речи, эстетического воспитания и творческих способностей учащихся.
Слайд 4
Работа с картиной предполагает несколько направлений:
1) Знание основ изобразительной грамоты.
С основами изобразительной грамоты учащиеся знакомятся на всех уроках изобразительного искусства: живопись, рисунок, композиция, скульптура, история искусства, на протяжении всех годов обучения. На уроках подробно знакомятся со средствами выразительности видов искусства, жанрами. Учащимся прививаются навыки использования терминологии искусства, вводятся термины по искусствоведению. Большое значение отводиться изучению законов композиции.
2) Материалы о жизни, творчестве художника.
Подготовка учащихся к активному восприятию картины чаще всего осуществляется в процессе беседы. Содержанием беседы обычно являются сведения о художнике, история создания картины. Прослеживая жизнь художника, целесообразно остановиться на таких эпизодах, которые повлияли на формирование его убеждений, дали направление его творчеству.
Формы сообщения сведений о жизни и творчестве художника разнообразны: рассказ учителя, научный фильм, сообщения учащихся.
3) Использование дополнительной информации.
Восприятию картины способствует обращение к литературным произведениям, тематика которых близка содержанию картины. Использование литературных произведений подготавливает почву для более глубокого восприятия и осмысления детьми живописного полотна.
Огромное значение для понимания сюжета картины играет историческая ситуация в изучаемой стране, в конкретный временной отрезок, стилистические особенности искусства.
4) Рассматривание картины.
Умение рассматривать картину – одно из необходимых условий развития восприятия, наблюдательности. В процессе рассматривания картины человек видит в первую очередь то, что созвучно ему, его мыслям и чувствам. Ученик, рассматривая картину, обращает внимание на то, что его волнует, занимает, что является для него новым, неожиданным. В этот момент определяется отношение учащихся к картине, формируется его индивидуальное понимание художественного образа.
5) Анализ живописного полотна.
Цель анализа картины углубить первоначальное восприятие, помочь учащимся понять образный язык искусства. Беседа помогает детям тоньше, глубже увидеть, почувствовать и осмыслить произведение искусства.
По данным исследователей, при восприятии живописи разных жанров дети больше предпочитают картину бытового жанра и меньше натюрморт и пейзаж. Сюжетная картина привлекает детей интересным, увлекательным и понятным содержанием. Поэтому когда речь заходит об абстрактной, или беспредметной живописи чаще всего можно услышать: не нравится, потому что не понимаем.
Конечно же, мы не будем сегодня полностью погружаться во все многообразие стилей и направлений живописи 20 века, а рассмотрим лишь некоторые из них. Попытаемся объяснить особенность этого периода в развитии искусства для понимания и восприятия его учащимися. Остановимся на некоторых работах художников, творчество которых мы изучаем в рамках программы «Истории искусства»
Прежде всего, давайте вспомним какие процессы и изменения происходили в обществе и искусстве 20 века.
Слайд 5
20 век — век острых противоречий, глубоких социальных конфликтов и разочарований, и вместе с тем надежд человечества, век настойчивых исканий новых, более совершенных путей развития общества. Он принес с собой глубокие изменения во всех сферах деятельности человека, в том числе идеологии, культуре, искусстве. Никогда раньше живопись, скульптура и графика не были столь тесно и непосредственно связаны с реальной жизнью, никогда раньше не проявлялась в них так ясно критическая направленность, отрицание всего и вся. Бурно развивающееся искусство утрачивало свою прежнюю стилевую цельность, его развитие становилось все более неравномерным и скачкообразным.
Итак, рубеж веков – время потрясений, катастроф, революций, войн, экономических кризисов. В изобразительном искусстве появляется множество течений, представители каждого из которых объединяются в группы, разрабатывают собственные уставы, в которых описывают свои взгляды на изобразительное искусство. Общим для всех этих направлений является отказ от традиционного искусства, поиск новых форм художественной выразительности, поиски новых путей, экспериментирование и революционное преобразование, многоликость, разнообразие и контрастность.
Обратимся к произведениями зарубежных художников 20 века: Сальвадором Дали, Анри Матисса, Пабло Пикассо. Каждый их них творил в своей манере, каждый их них развивал своё направление живописи, каждый их них создал уникальные творения, которые получили широкую известность в мире.
Слайд 6
ХХ век стал свидетелем революций в искусстве. Отжившие традиции теряли свои позиции под натиском авангарда. Эти победители-первопроходцы, отверженные в свое время, смогли не только заглянуть в будущее, но и стать общепризнанными глашатаями следующего века. Среди этих первопроходцев ярким представителем был Анри Матисс. Настоящий профессионал-живописец, достигший определенных успехов на своем поприще, он отказался от проторенного пути в пользу новой живописи, отдав предпочтение поискам, испытаниям, сомнениям, неоднозначному, а порой и враждебному отношению к своему творчеству.
Матисс достиг всемирной славы; картины его являются гордостью музейных коллекций.
Обратившись к творчеству этого художника, мы увидим, как он изображал окружающий мир в своих произведениях, подумаем над тем, какие открытия ему удалось совершить в живописи, и как эта новизна отразилась в культуре последующих поколений.
Анри Бенуа Матисс родился 31 декабря 1869 года в семье хлеботорговца на севере Франции. Получив диплом юриста, предпочел надежной юридической карьере путь живописца. Увлечение живописью привело его на курсы в рисовальную школу, затем в Школу изящных искусств. Успехи были несомненны. Однако знакомство с импрессионистами резко изменило стиль его картин. В 1905 году, выставив в Осеннем салоне свои откровенно декоративные полотна, он, по словам известного критика Роже-Маркса, «успеху и славе предпочел испытания, борьбу и горькую участь». Зрители были потрясены. Чем же был вызван такой ажиотаж? Парижан поразили кричащие краски, умышленно упрощенные формы. С легкой руки одного из критиков таких живописцев стали называть «фовистами», что в переводе обозначает «дикие». Вождю фовистов – Анри Матиссу в то время было уже 35 лет.
Фовистский период в творчестве Анри Матисса — начало создания новой индивидуальной манеры письма. Главной проблемой был цвет. С помощью лавины цветов художник, упрощая формы, сводя их к плоскости, как бы создавал мир заново.
И как сказал сам Анри Матисс «Прежде всего, надо обладать даром цвета, как певец должен обладать даром голоса».
Слайд 7
Особенности художественного метода:
-
- Цвет достигает своей полной выразительности тогда, когда он организован и его интенсивность соответствует интенсивности чувств художника;
- В картинах Матисса присутствует гуманистическое начало: он мыслит человека творцом и частью прекрасного мира.
- Основными жанрами являются пейзаж, натюрморт, портрет, фигурные композиции, монументально-декоративное панно.
Для понимания и восприятия, предлагаю детям проанализировать несколько картин Анри Матисса.
Слайд 8
- «Красная комната» (1908 г.)
Одно из самых знаменитых полотен Анри Матисса. При беглом взгляде на картину возникает ощущение богато орнаментированного ковра. Многочисленные арабески разбросаны на плоскости красного фона. Но, приглядевшись, можно увидеть, что художник линией очертил условную границу стола и стены. Узор воображаемого ковра плелся воедино с натюрмортом на столе. Склоненная над столом женщина и узор объединены единым ритмом. Открытое окно напоминает нам о реальном мире, существующем за пределами этой комнаты. Стоит обратить внимание, что локальные цветовые пятна, линии ритмически повторяются и вносят в картину гармонию и равновесие.
Художник дал новую роль цвету, он показал его самостоятельную ценность. Матисс говорил: «Если средства изношены так, что их выразительные возможности исчерпаны, тогда наши картины становятся очищением… они воздействуют непосредственно прекрасным синим, прекрасным красным, прекрасным желтым. Элементарными сущностями, которые достигают самых глубин человеческой души. Это и есть исходная точка фовизма: мужество возвращения к чистоте средств».
Каждую зиму художник с 1910 по 1913 годы уезжал в Алжир и Марокко. Восток был для него опорой в поиске новых средств выразительности. Яркая природа, солнце, люди, ткани помогли Матиссу окончательно утвердиться и в собственном понимании цвета, и в своей творческой манере.
Слайд 9
- «Красные рыбки» (1911г.)
Этой картиной художник покорил своих зрителей. Что же на ней изображено? Мы видим на круглом столе круглый сосуд. В нем чистая светлая вода и огненно-красные рыбы. Если приглядеться, можно увидеть чуть заметное подрагивание, ленивое шевеление. Рыбы неспешно плывут, открывая рот, а кругом изумрудная зелень, цветы, и влажный, словно вибрирующий воздух. Движение бесконечно снующих рыбок вовлекает в прекрасный мир, словно увиденный глазами ребенка. О чем эта картина? О рыбках, аквариуме? А может быть, о вечном даре жизни, о красоте окружающего мира?
Матисс, как и его современники, был свидетелем двух войн, трагизм которых коснулся его непосредственно (во время второй мировой войны дочь его, участница Сопротивления, попала в фашистский концлагерь), был свидетелем революций, рождения государств, возвышения народов – словом, преображения мира. В трудные годы он всегда оставался жизнелюбом. Его гуманистический талант служил людям, дарил людям радость, пробуждал энергию.
На холст легли все краски друг за другом,
И стало ясно вдруг, что стоит жить:
Цветы, аквариум, и рыбы кругом, кругом,
И зелень, что надеждою манит.
Особой энергетикой, динамикой проникнута картина «Танец», написанная по заказу Щукина – русского коллекционера, который с любовью относился к творчеству французского художника.
Слайд 10
- «Танец» (1909г.)
Эта картина – одна из вершин творчества художника. Картина оживляет неистовую музыку, которая увлекает в неистовую пляску хоровод обнаженных людей. На синем фоне кружатся розовые тела. Их фигуры удлиняются и извиваются в прихотливом ритме. Слева большая фигура увлекает всю цепь. Это не конкретный танец, а его идея, символ. Матисс утрирует жесты, нарушает пропорции фигур, делая их величественными. Посмотрите, как художник любовно пользуется цветом — символом: плотно-синий – небо, ярко-зеленый – земля, киноварно-красный – фигуры. Где же совершается танец? Почва под ногами танцующих – земной горизонт, часть окружности земного шара. Небо – синева межзвездных пространств. Глядя на картину, веришь, что искусство способно постигать гармонию Вселенной.
Более 60-ти лет прошло после смерти художника – срок достаточный, чтобы вполне утвердилась его историческая репутация, обозначилась сердцевина его творчества. Анри Матисс безусловно обладал большим талантом, представлял яркое явление в художественной мировой культуре. Матисс говорил: «Я стремлюсь к искусству, исполненному равновесия, чистоты, оно не должно беспокоить и смущать. Я хочу, чтобы усталый, измотанный, изнуренный человек, глядя на мою живопись, вкусил отдых и покой».
Слайд 11
В 1908 г. А. Матисс вошел в мастерскую к своему другу Ж.Браку, чтобы посмотреть его работы: «О, они сделаны из кубиков!», — воскликнул Матисс. Его слова стали крылатыми и обрели свое имя кубизм.
Сейчас значение кубизма для искусства XX века сравнимо с переворотом, который А. Энштейн произвел физике или З. Фрейд в психологии. Кубизм первым поставил под сомнение зримую картину мира и ее восприятие. Кубизм означал радикальный переворот во всем мировом искусстве. Не только человек, но и сам когда-то цельный образ мира, теперь лишился своей узнаваемости.
Кубизм не «зерно» и не «зародыш», а искусство,
для которого прежде всего важна форма…
Форма и цвет приобретают у нас собственное значение.
П. Пикассо
Кубизм сначала формировался как течение в живописи, а уже потом был осмыслен теоретически.
Для кубизма характерны:
-геометризация формы;
— создание объёма не светотенью, а цветом;
— главенство композиции, в которой выражается идея художника.
Слайд 12
Творцом кубизма стал Пабло Пикассо. В начале XX века он пришёл к мысли, что живопись не способна разрешить проблемы эпохи. Искусство может лишь интерпретировать, анализировать, создавать пластические формы – и не более того.
Пабло Руис (Пикассо – фамилия матери, которую художник взял позднее) родился 25 0ктября 1881 года в испанском городке Малага. Его отец дон Хосе Руис был скромным преподавателем рисования, иногда выполнявшим заказы по росписям интерьеров. Первые уроки Пикассо брал у отца. К десяти годам мальчика его рисунки отличались зрелостью и законченностью, свойственной сложившимся мастерам. «Двенадцати лет я рисовал как Рафаэль», — потом не без гордости признавался художник. Это было правдой: работы Пикассо напоминали работы Рафаэля в расцвете его гения.
В 14 лет мальчик обучается в школе изящных искусств в Барселоне. Пикассо сразил профессуру тем, что за один сеанс выполнил этюд с натурщика, на исполнение которого был дан месяц. (Почему стоит заострить внимание детей на этом моменте? Многие из них рассматривая картины 20 столетия, считают, что они нарисованы абстрактно, по причине плохого овладения рисунком художником. Что ему просто не хватило мастерства.)
Затем Мадрид, Академия художеств. Пребывание здесь было недолгим. В 1897 году Пикассо выставляет в Мадриде свое первое большое полотно «Посещение больной». Успех ошеломляющий!
1900 год – Париж. В 1901 году в Париже устроена первая персональная выставка работ Пикассо. Столица мирового искусства была завоевана двадцатилетним испанским живописцем.
С 1904 по 1973 год Пикассо живет в Париже.
Вопреки безоблачному восхождению к славе, в искусстве Пикассо сначала робко, а потом все сильнее звучат скорбные ноты.
В творчестве Пикассо выделяют разные периоды.
Слайд 13
- «Голубой период» 1901 – 1904гг.
Главная тема этого периода – обреченность человека на горе. Нищие и одинокие герои богаты только своей тоской и своей любовью, но это их богатство дороже золотых венцов. «Искусство есть эманация боли и печали», — говорил в то время Пикассо.
Стиль этот будет развиваться уже в Барселоне, куда художник возвратиться. Этот период в жизни картин Пикассо характеризуется унынием, выражением смерти и старости, депрессией, меланхолией, грусти. Голубым его назвали также из-за того, что в картинах этого периода преобладают голубые оттенки.
Слайд 14
- «Розовый период» 1905 – 1907 гг.
Круг образов и тем остается прежним, но легче и прозрачнее становится цвет, ломаные линии сменяются плавными и текучими, трагичность смягчается и растворяется в лирическом настроении. Пикассо все чаще обращается к теме странствующих актеров и акробатов. Его идеальным миром становится мир бродячего цирка. Сочетание в нем гармонии и дисгармонии, поэтического и приземленного, радостного и печального, реального и театрального – для Пикассо это высокий образ жизни в целом со всеми ее противоречиями. Его Пьеро и Арлекины свободны и одиноки. Им нужна пустыня, чтобы быть несчастными.
Слайд 15
По Пикассо, жизнь – театр и цирк.
Слайд «Девочка на шаре», «Комедианты».
В 1906 году Пикассо охватил творческий кризис: идеи утверждающего гуманизма неосуществимы, искусство не способно решать человеческие проблемы. Все, что может живопись, — заставить зрителя любоваться линией, формой, цветом. Так после нескольких лет поисков родился кубизм.
Слайд 16
- «Танец с покрывалами».
«Танец с покрывалами», созданный Пикассо весной 1907 г., — одна из важных картин раннего кубизма. Образ обнаженной с драпировкой настолько захватил художника, что он посвятил ему целый ряд живописных работ.
Деформируя строение человеческого тела, Пикассо воссоздает его из отдельных подвижных плоскостей, покрытых энергичной штриховкой. Смещая и закручивая их, он делает зримым напряженное и завораживающее вращение танцовщицы. Она вся настроена на улавливание таинственной музыки, закрытые глаза — свидетельство полной растворенности в ее ритмах. В это вращение втянуты и фон, и драпировки. Плоскости пересекают друг друга, ломаются, дробятся, черные штрихи, покрывающие их, объединяют пространство и фигуру в единое целое.
Слайд 17
- «Герника»
Особое место в творчестве Пикассо занимает монументальное полотно «Герника», которое стало манифестом против жестокости и насилия. В символике произведения зашифрована история Европы времён гражданской войны и отражаются страдания всего мира. Поводом для создания картины послужила бомбардировка фашистами одноимённого испанского городка.
Картина, размером (8 м х3,5 м), была написана просто в фантастически короткий срок – менее чем за месяц. Художник работал неистово, стоя у мольберта ежедневно по 12-14 часов. «Герника» — это тревожные размышления автора о трагичности смерти и разрушении, которые нес с собою стремительно надвигающийся фашизм.
Всмотримся в картину: на черно-белом холсте изображены в динамике хаотичного движения искаженные фигуры, раскрытые в отчаянном крике рты, сдвинувшиеся куда-то выше лба глаза…
Вот мать с ребенком на руках, у него запрокинута голова (он мертв?), а рядом с ними – бык, громадный, тупой, равнодушный…
Сверху будто летит в этот страшный, поверженный клубок человеческих тел женщина с профилем древнегреческой богини, в руках которой светильник. За нею — мужчина с воздетыми к небу руками. Кому она освещает путь? О чем молит небо мужчина с половиной черепа? Что вообще происходит в «Гернике» непонятно, но ощущение ужаса абсолютно. Страх рожден страшной картиной гибели людей. А конкретного носителя зла, виновника гибели мы не видим.
И только вдумчивый зритель, способный анализировать поймет: надвигающийся фашизм спалит планету своей жестокостью, бездушием, бесчеловечностью.
В сознании многих поколений эта великая картина навсегда останется символом протеста против фашизма, который калечил людей физически и нравственно.
И кубизм как творческий метод совершенно не помешал большому художнику создать такое произведение, которое стало явлением в искусстве и переживет века.
Безусловно, творчество выдающегося художника XX столетия Пабло Пикассо не исчерпывается только рамками кубизма. В течение своего длительного творческого пути он ненадолго сближался с сюрреализмом и неоклассицизмом. Удивительных результатов он достиг в скульптуре, графике, декоративной керамике и книжной иллюстрации. В каждом из своих произведений он сумел запечатлеть бурное, полное драматизма время. В.В.Маяковский, еще в 1922г. посетивший мастерскую Пикассо в Париже писал: «Это самый большой живописец и по своему размаху и по значению, которое он имеет в мировой живописи».
Каков наш мир? Открытый всем взорам, изученный, понятный каждому, кто хочет его понять и принять, или непостижимый, не поддающийся не только нашим чувствам, но и нашему разуму. То же самое, наверное, можно сказать и о произведениях искусства. Одни мы постигаем сразу, с первого мгновения, и мысли, чувства его автора легко находят свой отклик в нашей душе. Другие совершают долгий путь по лабиринтам нашего сознания. Я говорю о произведениях сюрреализма. И о главном художнике сюрреалисте Сальвадоре Дали.
Слайд 18
Сюрреализм — направление в искусстве XX века. Термин сюрреализм (фр. «сверхреальность») придумал еще в 1917 году поэт и критик Гийом Аполлинер, но данный термин должен был подчёркивать вовсе не сверхточное и сверхправдивое изображение реальности, как может показаться на первый взгляд, а стремление художников подняться над реальностью. На формирование сюрреализма оказали влияние принципы психоанализа Зигмунда Фрейда. Фрейд, а вслед за ним и сюрреалисты, считали, что бессознательное – это важнейшая сфера человеческой психики, и что, сновидения очень значимы для понимания подлинных вкусов, влечений и причин поступков человека. Главная цель сюрреалистов: через бессознательное подняться над ограниченностью как материального, так и идеального мира.
Главное понятие сюрреализма – сюрреальность – совмещение сна и реальности. Сюрреалисты полагали, что творческая энергия исходит из сферы подсознания, которая проявляет себя во время сна, гипноза, болезненного бреда, внезапных озарений, автоматических действий.
Сюрреалисты решили, ни больше ни меньше, как предложить людям новый способ сознания. Ломая барьеры между внутренним и внешним миром, изменяя способ постижения реальности, они намеревались освободить подсознание, примирив его с сознанием. Таким образом, каждая картина представляла собой своеобразный интеллектуальный ребус;
«Сюрреализм – это я» – говорил Сальвадор Дали
Я считаю правильным начать рассказ о Сальвадоре Дали цитатой из его книги «Тайная жизнь Сальвадора Дали, написанная им самим»:
«В шесть лет я хотел стать кухаркой, в семь – Наполеоном. С тех пор мои амбиции неуклонно росли». Но в зрелом возрасте Дали говорил, что хотел бы быть только Сальвадором Дали. У Дали был брат, которого звали Сальвадор, он умер в семилетнем возрасте, случилось это за три года до рождения художника. Сальвадора, как вы поняли, назвали в честь брата. Всю жизнь Сальвадор жил с ощущением присутствия несуществующего двойника и признавался, что все выходки которые он совершает, он делает с целью доказать самому себе, что он живой брат, а не мёртвый».
Мнения людей о творческой манере этого художника самые разные, зачастую звучат слова «абсурд», «непостижимый», «непонятный». Мы попытаемся заглянуть в мир художественных образов Сальвадора Дали и решить для себя: так ли уж непостижим и непонятен этот художник.
Слайд 19
Проанализируем картину С. Дали «Постоянство памяти»,
Одно из самых известных полотен, написанных в жанре сюрреализма, — это «Постоянство памяти». Сальвадор Дали, создал ее всего за несколько часов. Полотно сейчас находится в Нью-Йорке, в Музее современного искусства. Эта небольшая картина, размером всего 24 на 33 сантиметра, является самой обсуждаемой работой художника.
Картина Сальвадора Дали «Постоянство памяти» была написана в 1931-м на холсте-гобелене ручной работы. Идея создания данного полотна была связана с тем, что однажды, дожидаясь возвращения своей жены Галы из кино, Сальвадор Дали писал абсолютно пустынный пейзаж морского побережья. Вдруг он увидел на столе тающий на солнце кусок сыра, который они ели вечером вместе с друзьями. Сыр таял и становился все мягче и мягче. Задумавшись и связав долго идущее время с тающим куском сыра, Дали начал заполнять полотно растекающимися часами. Свою работу Сальвадор Дали назвал «Постоянство памяти», объясняя название тем, что один раз взглянув на картину, ты уже никогда её не забудешь. Другое название картины — «Текучие часы». Это название связано с содержанием самого полотна, которое вложил в него Сальвадор Дали.
Когда рассматриваешь это полотно, в глаза сразу бросается необычное размещение и структура изображенных предметов. На картине просматривается самодостаточность каждого из них и общее ощущение пустоты. Здесь много вроде бы не связанных предметов, но все они создают общее впечатление. Трое часов на картине не только растекаются, но ещё и тянутся, показывая искушенному зрителю, что время собирается остановиться. Они изображают три степени человеческого существования: прошлое, настоящее и будущее.
Наравне с мягкими и текучими часами Сальвадор Дали изобразил твердые нерушимые камни на заднем плане. Они освещены вечерним уже угасающим солнцем и создают впечатление общей слаженности и полноты картины.
В центре абстрактно изображена фигура. Вглядевшись, можно различить черты человеческого лица, часть носа, длинные ресницы и часть усов. На тот период Сальвадор Дали изображал так свой автопортрет.
Слева от центра изображен обрубленный ствол дерева оливы, который, по словам самого художника, обозначает мудрость в принятиях решений.
На линии горизонта изображено тихое спокойное море обозначающее символ бесконечности, и тонкое синее зеркало, свидетельствующее о непостоянстве и переменчивости. Море и скалы на данной картине обозначают нечто вечное и постоянное, то, что неподвластно времени.
Сальвадор Дали этим полотном заставляет задуматься о значении времени в жизни каждого человека. О том, а может ли время остановиться? А может ли оно подстраиваться под каждого из нас? Наверное, каждый должен дать сам себе ответы на эти вопросы.
Известен факт, что художник всегда оставлял записи о своих картинах в своем дневнике. Однако о самой известной картине «Постоянство памяти» Сальвадор Дали не сказал ничего. Великий художник изначально понимал, что, написав эту картину, он заставит задуматься людей о бренности бытия в этом мире.
Слайд 20
Рассказывая о творчестве Сальвадора Дали учащимся, хорошо бы обратиться к более понятной для детского восприятия форме – мультипликации. «Destino» — совместное творение Дали и Диснея. Мультфильм был начат в 1945 году, а закончен только через 58 лет, в 2003 году. Мультфильм Destino, название которого с итальянского переводится как «судьба», получил Гран-при Мельбурнского кинофестиваля и был номинирован на премию «Оскар».
Художник прожил долгую жизнь и оставил после себя несколько сотен работ. Каждая из них – это уникальный и ни с чем несравнимый внутренний мир, отображённый гением по имени Сальвадор Дали. Картины с названиями, известными всем с детства, могут вдохновлять, вызывать восторг, недоумение или даже отвращение, однако ни один человек не останется после их просмотра равнодушным.
Сегодня мы вновь убедились в правоте известной истины: в искусстве нет единого мнения, каждое имеет право на существование. Одно бесспорно — любое произведение искусства, каким бы странным и непостижимым на первый взгляд оно нам ни казалось, — неразрывная часть единого культурного пространства.
